¡Viva la muerte... tuya!

El bueno,

el feo

y el malo.

Descanse en paz, Don Eli.

Vampiros gafapastosos

Él atiende por Adam, reside en la fantasmagórica ciudad de Detroit y es músico con tendencias undergrounds. Tiene muchísimos años de edad, pero se conserva de puta madre. Ella atiende por Eve, reside en Tánger y mantiene una peculiar amistad con un anciano que asegura haber ejercido de negro para el mismísimo Shakespeare. También tiene muchísimos años de edad, pero se conserva de puta madre. Adam y Eve hace siglos que son amantes. Y vampiros. No corren buenos tiempos y el suministro de sangre en óptimas condiciones empieza a escasear.

Este es el punto de partida de Sólo los Amantes Sobreviven, la última película de Jim Jarmusch, uno de los directores más indigestos (a mi gusto) de la actualidad quien, con este título, ya acumula en su haber  19 peñazos de altísimo voltaje. Aposentado ahora en el fantástico, se monta una de vampiros siguiendo su patrón habitual: varios personajes a cual más colgado, una historia plomiza y un sinfín de citas culturales de las que emocionan (por cojones) a los gafapastas de turno.

La cinta, aparte de aburridísima y lenta, está impregnada de ese estilo pedantillo y desastrado habitual en el cine del realizador. La cosa no avanza hacia ningún lado y cuando parece que se pueda animar un poco (como sucede con la entrada en escena del cargante personaje interpretado por Mia Wasikowska) vuelve a encallarse de nuevo.

Un festival de diálogos, a cual más irritante, entre un desaborido Tom Hiddleston y una insufrible Tilda Swinton, conforman la mayor parte de un film incapaz de despertar en mí el más mínimo interés, a pesar de los perseverantes intentos de Jarmusch por resultar  (falsamente) transgresor. Y es que a este hombre no lo aguanto.

Curiosamente, tras ver Sólo los Amantes Sobreviven, repasé el viejo post que hice en su día sobre Haga usted su propia película de Jim Jarmusch y, por mucho que les pese a algunos, sigue siendo totalmente vigente. ¡Qué pena de director!

Por cierto: ¿por qué una excelente actriz como Tilda Swinton, cada vez que trabaja para un director de los de prestigio cultureta, cambia de registro y se convierte en una de las damas más insoportables del mundo de la interpretación?

Si a la Casa Real no le gusta la portada, dos tazas

Esta es la polémica portada que, tras presiones de la Casa Real, El Jueves no llegó a difundir.

Desde aquí, mi apoyo a todos los profesionales de El Jueves que han decidido dejar de trabajar para una publicación que cede a la censura de una Monarquía salpicada por todo tipo de podreduras.

Las abuelitas calentorras

Ellas son dos buenas amigas, una amistad que empezó en su más tierna infancia; dos atractivas mujeres maduras que residen en un idílico lugar de la costa australiana. La una está casada y la otra viuda. Atienden, respectivamente, por Roz y Lil. Y ambas son madres de un par de efebos guapos, musculados y amantes del surf; el uno moreno, el otro rubito. Durante un verano en que el marido de Roz se ausenta por cuestiones laborales, estallará el conflicto emocional, ya que mientras Roz se queda prendada de los encantos del hijo de Lil, a ésta le ocurrirá lo mismo con el hijo de Roz. Dos Madres Perfectas es el título de este festival de tópicos rosados y eróticos que ha planificado, con bastante mala fortuna y poquísima inspiración, la realizadora luxemburguesa Anne Fontaine.

Enclaves paradisíacos, playas vírgenes, féminas no tan vírgenes y adolescentes en plena efervescencia sexual. Más trivial, imposible. Un folletín que acumula temas gastados hasta la saciedad y que, en realidad, no es más que un descarado vehículo para el lucimiento de sus dos protagonistas femeninas: Robin Wright y Naomi Watts. Un duelo interpretativo y físico (¿no resulta morbososo para el espectador juzgar cuál de las dos se conserva mejor?) que queda en tablas. En cuanto a ellas, no hay nada que objetar, pues tanto la una como la otra están perfectas en los roles que les han caído en desgracia. El problema estriba en lo manido de la historia planteada y en lo ridículos (e incluso cursis) que resultan la mayoría de sus pasajes.

El miedo a envejecer, los remordimientos de conciencia debidos a la situación creada entre ambas familias, los sentimientos de culpa y los celos, son tan sólo algunas de las previsibles minucias que se barajan en este descomunal despropósito construido a golpe de postalitas turísticas, escenas de sexo light y jovencitos guapos y enamoradizos.

Dos Madres Perfectas sigue apoyando mi teoría de que la mayor parte de películas con surfistas en su interior (excepto honradas excepciones) son caca de la vaca, por mucha Robin Wright y Naomi Watts que pululen por ahí.

El polivolador

Tras los buenos resultados obtenidos con la eficiente Sin Identidad, el barcelonés afincado en Hollywood Jaume Collet-Serra, aún bajo los auspicios directos de Joe Silver en la producción, en Non-Stop (Sin Escalas) vuelve a echar mano de Liam Neeson para convertirlo de nuevo en su destartalado protagonista, un oficial de seguridad aérea que, durante un vuelo de Nueva York a Londres, vivirá una de las experiencias más tensas de su carrera; una carrera que se ha visto truncada por la muerte de su hija y por su posterior y desmesurada afición al alcohol.

La cosa tiene una premisa interesante. Promete. Pero se queda en la premisa. No hay más. Cuando pasa a desarrollar su trama -en la que se mezclan posibles asesinatos durante el viaje y una ingente cantidad de dinero para evitarlos- empieza a perder agua por todos lados, tanto que más que a un avión en pleno vuelo se asemeja a un barco zozobrando. De la sobriedad expositiva inicial (fantástico el dibujo del acabado personaje de Neeson), pasa a un desvarío narrativo plagado de agujeros negros e inexplicables que, por su locura, rozan la inconsistencia total.

La cinta, perfectamente realizada a nivel técnico, se pierde en un continuo desfile de posibles sospechosos y en una montaña rusa plagada de (falsos) giros y (ridículas) sorpresas argumentales, dándole, al mismo tiempo, una cansina relevancia a los mensajes telefónicos (con pantallitas emergentes al más puro estilo Sherlock de la BBC) que se intercambian el agente y el desconocido criminal.

De partenaire de lujo para un Liam Neeson bastante perdido e inexpresivo en su papel de action hero, Non-Stop cuenta con la presencia de una Julianne Moore que, por su pasividad interpretativa, da la impresión de no sentirse nada cómoda en el papel que le ha caído en desgracia, el de pasajera entrometida y dispuesta a colaborar (a pesar de sus recelos) con el depresivo oficial.

Es indiscutible que la película tiene ritmo y que, debido al descomunal número de despropósitos que acumula, no llega a aburrir en ningún momento. Pero es tan patético y pasado de rosca su alucinado guión, que la historia planteada me mantuvo pegado a la butaca con un único y perverso propósito: descubrir hasta dónde eran capaces de llegar los tres escritores encargados del libreto. Y les puedo asegurar que, por momentos, llegan lejísimos: la alterada confesión personal del poli alcoholizado no tiene desperdicio. Más delirante, imposible.

Para siempre en la retina

 

Klute

 

El Padrino

 

 El Padrino, 2ª. parte

Con el agua al cuello

Todos los hombres del presidente

 

Annie Hall

 

Interiores

 

Llega un jinete libre y salvaje

 

Manhattan

 

Recuerdos (Stardust Memories)

 

Zelig

 

Broadway Danny Rose

 

La rosa púrpura de El Cairo

 

Presunto inocente

 

El Padrino, 3ª. parte

 

La sombra del diablo

Gordon Willis, descanse en paz.

Por delante y por detrás

Un futuro no muy lejano. El calentamiento global está a punto de mandar la Tierra a la mierda. Para paliarlo, los científicos experimentan con un nuevo gas que esparcen por todo el planeta con la intención de bajar la temperatura global. Pero la tentativa sale chunga y lo único que se consigue es el efecto contrario, helandose hasta el último rincón del mundo y acabando con todo tipo de vida. Los pocos supervivientes de la hecatombe tendrán que subir a bordo de un larguísimo tren, dotado de un motor en continuo movimiento, que da vueltas en círculo al planeta. Una especie de Arca de Noé que, en realidad, no es más que un fiel retrato de nuestra sociedad actual: en los vagones delanteros se aposentan los integrantes de la clase alta, los poderosos, aquellos que oprimen hasta la extenuación a los de los vagones de atrás, la gente que ha de luchar para sobrevivir.

Este es el punto de arranque de uno de los films apocalípticos más interesantes de los últimos años. Toda una lección de ritmo y entretenimiento cinematográfico, con crítica social incluida, que nos llega de la mano del coreano Bong Joon-ho (el mismo de The Host o Memories of Murder). Snowpiercer (Rompenieves) es el título de esta coproducción entre Corea del Sur, USA, Francia y la República Checa.

Basada en la novela gráfica de Jacques Lob, Benjamin Legrand y Jean-Marc Rochette, la cinta, claustrofóbica en donde las haya (toda su acción transcurre en el interior del extenso y complejo ferrocarril), narra la revuelta de la clase baja que, encabezada por el empecinado Curtis (Chris Evans, el actual Capitán América), pretende llegar hasta el primer vagón para exigir mejores condiciones de vida. Durante la travesía, cruzando de vagón en vagón, todo tipo de aventuras y contrastes: de la miseria más extrema hasta la opulencia más lujosa.

Y, a un lado y a otro de la revolución liderada a medias entre Chris Evans y un excelente John Hurt, un sinfín de nombres de lo más tentador, de entre los que cabe destacar a un correcto Jamie Bell, a un devastador Ed Harris (impresionante en la piel del cínico Wilford, el propietario del convoy) y, ante todo, a una caracterizada y desconocida Tilda Swinton dando vida a Mason, una Ministra rastrera, ridícula y cobarde que, siendo capaz de todo para salvar su vida ante los violentos envites de Curtis y su gente, nos puede llegar a recordar a alguna que otra fémina entresacada de la fauna de gobernantes de nuestra España actual. Toda una delicia divertida y satírica.

Dos horas de entretenimiento puro y duro que, sin embargo (y por encontrarle algún “pero”), cojea un poco en su “filosófico” y "existencialista" episodio final, justo con la aparición del gran Ed Harris. Un festival de cine de acción en donde no faltan esas escenas de luchas cuerpo a cuerpo y de planos barridos que tanto les gusta a los coreanos. Una curiosidad que, estrenada a desgana y en pocos cines, hay que recuperar cuanto antes. No les va a defraudar.

Segundas madres nunca fueron buenas

Carmina, la del Paco León, ha vuelto. Y lo hace con todos los honores a través de Carmina y Amén. Una segunda entrega que, por el camino, ha perdido su tono innovador y, lo que es mucho peor, su poder sorpresivo, de convicción y de experimentación. Carmina se ha hecho adulta, pero ha crecido mal, muy mal. A más presupuesto, menos imaginación.

Paco León repite tras la cámara y en el guión, mientras que su madre y su hermana vuelven a repetir roles. La picaresca, al igual que en Carmina o Revienta, está a la orden del día aunque, en esta ocasión, opta por dejar a un lado su toque docudramático y se decanta por una comedia negra preocupantemente hermética y claustrofóbica, salpicada por cuatro ocurrencias de lo más básico (como eso de llamar Bárcenas a un pajarraco).

La cinta arranca con la muerte inesperada del marido de Carmina y el empecinamiento enfermizo de ésta por esconder la defunción hasta pasados unos días con el fin cobrar la paga doble de su pensión. Como punto de partida, funciona. Otra cosa es que Paco León se aferre a la misma idea una y otra vez, sin avanzar hacia ningún parte y llenando su metraje de chistes (en general, poco graciosos y repetitivos) para lucimiento total de su propia madre, una Carmina Barrios que ha perdido toda la frescura que lucía en la cinta original para convertirse, a pesar de su evidente y clara chabacanería, en una diva sobreactuada y con ganas de robar la mayoría de escenas a sus compañeros de viaje. Resultan tan agobiantes las ganas que tiene esa mujer de subirse por las paredes, que posiblemente el espectador acabe hasta las narices de tan histriónico personaje. Y ello sin hablar del (innecesario) mal gusto visual con el que afronta muchos (demasiados) de sus pasajes, vomitajos y esputos incluidos.

Es una lástima no haber encontrado una mejor propuesta para regresar al universo de una marujona tan cutre como Carmina que un continuo desfile de los tópicos (sin mucho sentido) que rodean al mismo personaje; un rol, pasado de rosca, que adopta preocupantes niveles de endiosamiento, desplazando (o, mejor dicho, anulando) por completo al resto de personajes y a la propia (y mínima) historia planteada. Carmina y Amén, por su uso y abuso, bien podría haberse titulado Carmina y Carmina.

Una lástima, pues la primera me pareció totalmente acertada y graciosa, tanto por su gamberrismo como por su valentía. Todo lo contrario que ésta. Corramos un tupido velo.

El puto Fioravante y el jetas de su representante

En su quinta película como realizador, Aprendiz de Gigoló, John Turturro se aproxima al cine de su coprotagonista, Woody Allen, y le pide prestadas tres de sus constantes habituales: sexo, pareja y religión. No contento con ello, ambienta la película en Brooklyn, la parte más judía de la ciudad de Nueva York, y recurre, por defecto, a una banda sonora que parece sacada directamente de cualquiera de los numerosos títulos del director de Manhattan.

Aprendiz de Gigoló tiene un punto de partida curioso y divertido. Convertir a Woody Allen en una especie de macarra de John Turturro tiene su coña. Ni uno hace pinta de proxeneta ni el otro de prostituto, pero la cosa resulta graciosa e incluso ingeniosa. Los diálogos que desgranan ambos actores cuando se enfrentan en pantalla son frescos, mientras que los primeros escarceos sexuales entre Turturro y mujeres de la talla de Sharon Stone o Sofia Vergara tienen su puntito. La cosa promete y, entre el desparpajo interpretativo de Allen y la sobriedad (un tanto forzada) de Turturro en la piel del “puto” Fioravante, el tono de comedia alcanzado no es nada desdeñable.

La cosa empieza a torcerse con la aparición del personaje al que da vida una desmejorada Vanessa Paradis, la viuda de un rabino mayor que ella y que transmitirá a Fioravante sentimientos que van mucho más allá del puro sexo. Las tonalidades jocosas empiezan a desaparecer, dejando paso a un melodrama sentimental un tanto surrealista y totalmente anquilosado (por no decir directamente cursilón).

Las apariciones esporádicas de Woody Allen o la rotunda crítica hacia los intolerantes cánones de las religiones, ayudan a digerir mejor el último tramo de un film que, a pesar de sus buenas intenciones y su sentido del humor, acaba resultando aburrido e insustancial.

Last Orders

A pesar de su corta estatura, estaba entre los más grandes. Anteayer, a los 71 años de edad, se nos iba Bob Hoskins, el amigo inseparable de Roger Rabbit, un hombre enamorado de Mona Lisa que incluso, disfrazado de Super Mario Bros., llegó a nadar en compañía de sirenas y a gozar de una dulce libertad paseando por las calles de Hollywoodland y de Brazil al lado de un cónsul honorario al que conoció en el Cotton Club.

Descanse en paz.

Cruising

Los bosques que rodean un gran lago francés, son el enclave ideal para que varios homosexuales acudan al lugar a practicar nudismo y cruising en medio del follaje. Este es el único escenario geográfico que enmarca la historia planteada por el director y guionista Alain Guiraudie para El Desconocido del Lago, un film de temática claramente gay y totalmente explícito en sus numerosas escenas de sexo.

Planteada, en sus primeros minutos, como un melodrama indie, la cinta da un giro hacia el thriller cuando uno de los jóvenes y asiduos visitantes del lago, durante un anochecer, se convierte en testigo de excepción de un asesinato para, posteriormente, sentirse atraído fatídicamente por la figura del criminal, un tipo que, físicamente y a grandes rasgos, es una especie de mezcla entre Freddie Mercury y Tom Selleck.

Hasta aquí todo resulta más o menos pasable, aunque sea difícil de asimilar el enamoramiento de un hombre a sabiendas de que su nuevo amante no es más que un asesino con poquísimos escrúpulos. El problema es que, una vez planteado su argumento, el desarrollo de éste opta por derroteros bastante ridículos y nada factibles, empezando por la patética y grotesca figura de un inspector de policía que aparece por el lugar para investigar la aparición de un cadáver en el agua, así como por su resolución final, una especie de tomadura de pelo filmada desde la más absoluta oscuridad. Eso sí, para darle algo de (falso) empaque cultureta a la cosa, se monta una facilona metáfora entre la imagen de los invasores siluros del lago y el asesino de marras.

Vistos los resultados, El Desconocido del Lago, aparte de resultar un trabajo aburridísimo y narrado sin ningún tipo de nervio, está realizado con la única y gamberra intención de provocar al público más conservador quien, entre otras delicatessen, podrá disfrutar de la inclusión de primerísimos planos de penes erectos, de una felación mostrada de forma detallista, de numerosas enculadas e incluso, de propina, de una corrida en la que no se escatima ni en chorro ni en cantidad de semen. Vaya, una especie de porno con coartada gafapastosa.

Pequeño gran hombre

Descanse en paz.

Por cierto... aquí donde le ven, él solito, se maquinó a toda una Ava Gardner.

La gigantesca muñeca rusa de Wes Anderson

Wes Anderson sigue fiel a su estilo, haciendo gala de su particular sentido del humor y adentrándose en terrenos narrativos (y descriptivos) un tanto arriesgados,aunque, en esta ocasión, con El Gran Hotel Budapest, ha intentado rizar el rizo en todas sus variantes, jugando con distintos formatos cinematográficos y adentrándose en una locura colectiva que, por sus excesos, acaba pesando y resultando un tanto indigesta para el espectador.

El Gran Hotel Budapest transcurre en distinta épocas y en distintos niveles. Es como una gigantesca muñeca rusa (tanto por sus numerosas capas como por su vistoso y colorido aspecto) que, partiendo de un larguísimo flash-back, avanza y retrocede en una laberíntica trama, llena de personajes a cual más extravagante, que muestra la relación de amistad entre M. Gustave, el gerente de un lujoso hotel balneario de un imaginario país centroeuropeo, y Zero Moustafa, un joven aunque atrevido botones empleado en el local.

Ambientada, en su mayor parte, entre guerras y durante el nacimiento del nazismo, Anderson mezcla, en su laberíntica historia, el robo de un cuadro renacentista millonario, una muy peculiar historia de amor y la lucha de varios indeseables por conseguir la herencia de una anciana millonaria. Por el camino, de regalo, una de las fugas grupales carcelarias más alucinantemente divertidas y surrealistas de la historia del séptimo arte.

El gran problema de este multiforme hotel Budapest es que, una vez sobrepasada la mitad de su metraje, justo después de la citada fuga, la película queda encallada en un punto de no retorno. Las burradas que propone Wes Anderson a la platea ya empiezan a sonar a repetitivas; el cuidadísimo look visual de la cinta, superado su primer impacto, deja de sorprender, al tiempo que su abigarrada amalgama de rostros populares, que aparecen y desaparecen continuamente de pantalla, acaba siendo un poco agobiante, y más cuando la mayoría de ellos tan sólo ejercen de meras comparsas sin mucha (o ninguna) trascendencia argumental.

La cuestión es seguir mimando a sus actores habituales, aunque sea mediante puros cameos, ya que el peso específico del film recae en un excelente Ralph Fiennes y en el desconocido aunque efectivo Tony Revolori (el joven Zero Moustafa) quien, en ningún momento, se deja amilanar por la presencia, siempre imponente, de gente como Jeff Goldblum, Bill Murray, Tilda Swinton o Edward Norton, entre otros muchos.

Un festival Wes Anderson en estado puro, con ganas de romper esquemas establecidos pero que, por su afán destructivo y gamberro así como por su preocupante dispersión temática y genérica (cambios de formato incluidos), se le escapa un pelín de las manos.