31.3.15

Hasta que llegó su hora (y media)


Dirigida por Phil Alden Robinson (un hombre que llevaba desaparecido desde el 2002 tras estrenar Pánico Nuclear), llega ahora a nuestras pantallas su último trabajo, El Hombre Más Enfadado de Brooklyn, un film cuyo único aliciente es la presencia en él del desaparecido Robin Williams, protagonista, casi absoluto, de este despropósito de connotaciones claramente televisivas.


A no ser por la figura del llorado Robin Williams y de la siempre efectiva Mila Kunis (una chica a la que recientemente la encontramos hasta en la sopa), este sería un producto que, a buen seguro, nunca se habría estrenado en España, ya que es el típico título que, en general, se edita directamente en formato casero.

De hecho, se trata de un remake de The 92 Minutes of Mr. Baum, un viejo film israelí de 1977 que no conocíamos por estos lares y que, al igual que éste, narra los 90 minutos de pánico total que vive un tal Henry Altmann cuando la joven doctora que sustituye a su médico de cabecera, le comunica airada, ante la mala educación de su paciente y para sacárselo de encima, que tan sólo le queda una hora y media de vida, motivo por el cual el amigo Altmann, un tipo enfadado con el mundo y consigo mismo, emprenderá un largo recorrido por las calles de Nueva York intentando localizar a sus familiares y amigos con la intención de despedirse de ellos.


A medio camino entre la comedia más estúpida y simplona y el melodrama lacrimógeno y sentimentaloide, la cosa va avanzando de manera rutinaria y sin ningún tipo de ángel. Ahora un chistecito tontorrón, luego un poco de intensidad dramática de lo más resbaladizo y, de nuevo, otra bromita inaguantable. Para rematar el sublime ejercicio, súmenle un cansino festival de aspavientos y muecas de un Robin Williams totalmente pasado de rosca, amparando, en todo momento, la simplicidad de un producto que, en su recta final, apuesta por una sobredosis de almíbar de lo más previsible. Suerte de los ojazos de la Kunis, que esos si valen un potosí.


No pierdan el tiempo y dedíquenlo a otros menesteres más provechosos. No están los tiempos como para tirar sus euracos en banalidades como esta.

23.3.15

El espía jubilado


Más de una década después de dejar de dar vida a James Bond, Pierce Brosnan vuelve a meterse en la piel de un espía, aunque aparcando a un lado sus labores como empleado del MI6 y optando por encarnar a un ex agente de la CIA retirado que, bajo mano, vuelve a ser llamado a filas por un antiguo superior suyo que le encarga la misión de dar caza y proteger a una testigo chechena que podría hacer tambalear la carrera del futuro presidente ruso, un tipo sin escrúpulos y con un pasado ciertamente turbulento. El título del invento es La Conspiración de Noviembre (pésima adaptación española del original The November Man) y dirige un viejo conocido del actor, Roger Donaldson, con el que ya trabajó en Un Pueblo Llamado Dante’s Peak.

La Conspiración de Noviembre es un film totalmente estándar, de esos de espías un tanto  a las antípodas de los sofisticados artilugios de 007, aunque eso sí, con mucho ritmo y con una estética muy de esas coproducciones de los años 80 y 90 en donde los paisajes de distintas capitales europeas se convertían en uno más de los protagonistas, mientras que sus efectos especiales, un tanto rupestres, resultaban ás o menos efectivos.

La historia es mínima, por no decir de lo más simple. Infiltrados, políticos con pinta de mafiosos, tráfico de blancas, un considerable número de persecuciones, explosiones variadas y, cómo no, los conflictos personales y de relación del espía protagonista, ese reciclado Peter Devereux -al que un sobreactuado (y arrugadillo) Pierce Brosnan parece no haberle pillado el tranquillo- que se debate entre su enfrentamiento con un joven agente que en tiempos fue su protegido en la CIA y el deber de proteger a una asistente social que le puede conducir hasta la buscada testigo por las calles de Belgrado.


La película, a pesar de sus defectos y de un endeble guión con más de una laguna en su haber, entretiene. Y punto. Sin más, de las que se olvidan a los dos días de haberla visto. No hay que buscarle peras al olmo. Es lo que hay y, en su trama, no se anda por las ramas. Va directo al grano, a veces de manera demasiado pueril, pero resulta. Y de propina, cuenta con la presencia, siempre estimulante, de una guapísima Olga Kurylenko, lo mejor (estéticamente hablando) de la función. Y ésta si que no es de las que se olvidan en un par de días.

17.3.15

Sadomaso light para marujonas


La directora británica Sam Taylor-Johnson, la misma que hace unos años (con el nombre de Sam Taylor-Wood) nos sorprendiera con un curioso biopic sobre los años mozos de John Lennon (Nowhere Boy), se ha trasladado a Vancouver (Canadá)  para, desde allí y disfrazándola para que cumple las funciones de la ciudad norteamericana de Seattle, hacerse cargo de la traslación cinematográfica del millonario best seller de la escritora E.L. James Cincuenta Sombras de Gray.

En la cinta se cuenta la extraña relación que se establece entre Anastasia, una joven estudiante de literatura que compagina sus estudios con su trabajo de dependienta en una ferretería, con Christian Grey, el potentado propietario de un inmenso imperio empresarial. Una relación que nace cuando la chica, por encargo, le ha de realizar una entrevista al apuesto multimillonario; una entrevista que, para ella, significará enamorarse automáticamente del galán, un controvertido personaje que no busca ningún tipo de relación sentimental con las mujeres, ya que sus tendencias sexuales son algo más oscuras y peligrosas de lo que la virginal muchacha esperaba.


En Cincuenta Sombras de Grey, por mucho morbo que quiera desprender a través de sus imágenes y siguiendo la misma estética videoclipera de la ochentera Nueve Semanas y Media a la hora de afrontar sus escenas (en teoría) más subidas de tono, se queda en un banal ejercicio de cine erótico totalmente light que tan sólo contentará a ese público adolescente (ante todo femenino) que busca historias romanticonas con dos protagonistas guapetones y, al mismo tiempo, a un montón de marujonas, de las de misa cada domingo, que creerán haber sobrepasado los límites de sus creencias religiosas al aceptar, en silencio,  un montón de escenas de sadomasoquismo de lo más inocente y santurrón.


El trabajo de Sam Taylor-Johnson, a años luz de su interesante Nowhere Boy, se apoya en un endeble guión (debido a Kelly Marcel, la misma de la más conseguida Al Encuentro de Mr. Banks) que se muestra totalmente incapaz de desarrollar mínimamente a sus dos protagonistas principales y que se olvida, por completo, de darle un poco de presencia a unos secundarios que tan sólo sirven para hacer bulto en medio de tanto desatino argumental. Qué pena da, por ejemplo, ver pululando, perdida por ahí, a una mujer de la talla de Marcia Gay Harden que acomete, con su mejor voluntad, el rol de la madre del sadomaso de Grey.

La insulsez de Dakota Johnson dando vida a esa Anastasia Steele que pretende reconvertir la oscuridad que rodea a su pareja en una apasionante historia de amor o la endeblez interpretativa de un Jamie Dorman metido con calzador en la piel del peculiar Christian Grey, en nada ayudan a mejorar un producto con  muy poca “trempera” en su haber, a pesar de los endebles esfuerzos de su realizadora por conseguir la calentura del patio de butacas.


125 minutos imposibles de digerir, incapaces de poner a tono al espectador y que, en más de una ocasión, aparte de rozar el mayor de los ridículos, caen en los mismos tópicos de las más cursis historias de amor con las que el cine nos ha castigado. Y, por desgracia, teniendo en cuenta su última escena, ya podemos empezar a temer una más que previsible secuela.

11.3.15

Yo confieso


El realizador John Michael McDonagh y Brendan Gleeson ya habían colaborado juntos en la ópera prima del primero, el muy peculiar thriller El Irlandés. Ahora, tres años después, vuelven a unir sus fuerzas para atreverse con Calvary, una historia más hermética, aunque igualmente pastoral, en donde la religión y los malos rollos campan a sus aires y que le ofrece un nuevo papel de lucimiento y elevadísima contención al actor dublinés: el de un sacerdote rural que, amenazado de muerte durante una confesión, deberá sobrellevar la semana que le otorga de plazo el presunto asesino, afrontando los diversos problemas que se acumulan entre los parroquianos de su pequeña aldea.


Calvary posee un inicio ciertamente contundente, el de una confesión en la que se mezclan todo tipo de conceptos, desde la bondad más infinita hasta el resentimiento y los casos de pederastia en el seno de la iglesia católica. A partir de ahí, la cámara de McDonagh, se dedica a seguir los pasos del padre James, un inmenso e imperturbable Brendan Gleeson metido en el interior de una larga y negrísima sotana; pasos que le acercarán al resto de feligreses e, inclusive, a su propia y frágil hija, una hija que tuvo en su matrimonio antes de optar por el celibato.

La cinta, de trama totalmente distinta a su anterior trabajo, conserva, sin embargo, ese aire, a veces socarrón y surrealista que destilaba El Irlandés, aunque, en esta ocasión, sustenta el mayor peso de su trama en el personaje de un genial Gleeson, alma y motor innegable del film, y se pierde un tanto en el énfasis discursivo con el que afronta la mayoría de sus pasajes, sobre todo en su tramo final, en donde se desvelará el rostro del hombre que, en confesión, amenazó al religioso protagonista; un hombre del que el sacerdote es consciente desde un principio, pero cuya identidad se esconde al espectador hasta el último momento. Una manera como otra de dotar de cierta intriga a un film bastante aburrido y en cierto modo previsible.


De hecho, Calvary parece una sucesión de pequeñas historias ensartadas, una detrás de otra, por el personaje conductor del padre James ya que, entre los moradores de la pequeña aldea, existen todo tipo de individuos y conductas: escritores seniles en el ocaso de su carrera (magnífico M. Emmet Walsh), médicos ateos y fiesteros, adúlteras con ganas de provocar al resto de la parroquia, maridos cornudos, jovencitas suicidas y millonarios cínicos y especuladores. Una fauna de personajes milimetrada a los que el curilla en cuestión se irá acercando, uno por uno, con discursito incluido para cada encuentro.


Un film fallido, con un atractivo sentido del humor que, por desgracia, sale a flote en muy pocas ocasiones ya que, en general, se deja arrastrar por su gruesa pincelada religiosa y, lo que es peor, por ese afán discursivo que adorna la mayor parte de su metraje. Una pena.

9.3.15

Sin musa


Entre el guión de Million Dollar Baby y la dirección(y también la escritura de la oscarizada Crash, el canadiense Paul Haggis consiguió el crédito suficiente para que le abrieran las puertas de Hollywood. Después de dirigir un par de thrillers más o menos potables (En el Valle de Elah y Los Próximos Tres Días), vuelve a colocarse tras la cámara para castigarnos y aburrirnos soberanamente con el peor film de su filmografía, En Tercera Persona, un trabajo anodino que recupera, en parte, el estilo narrativo que empleara diez años antes para la confección de la mencionada Crash.

En Tercera Persona cuenta tres historias de amor, resentimiento y malos rollos que transcurren en tres escenarios geográficos distintos: París, Roma y Nueva York. Tres historias que, aparentemente, no tienen ninguna relación entre ellas pero que, a golpe de truculencias y desvaríos de su guión (igualmente debido al propio Haggis), acabarán confluyendo en más de un punto.


Tomando como partida el personaje de un escritor norteamericano que intenta escribir su nueva novela en una lujosa suite de un hotel parisino (un Liam Neeson totalmente perdido en un papel que se le escapa de las manos), la cámara de Haggis irá saltando de una punta a otra del mundo para plasmar, sin mucha convicción, lo que al mismo tiempo le sucede a una joven neoyorquina que acaba de perder la custodia de su hijo pequeño (una esforzada Mila Kunis) o las aventuras que vivirá un americano en tierras italianas (un descafeinado y a veces ridículo Adrien Brody) cuando se sienta atraído por una gitana rumana a la que le han secuestrado su hija.


Muerte, soledad, tristeza, adulterio y muchos, muchos, corazones rotos. La propuesta de Paul Haggis, en un principio, puede parecer atractiva, pero su tratamiento es tan desolador y tramposo que resulta muy fácil desengancharse de cuanto ocurre en pantalla. Y es que el material con el que cuenta es tan básico y manido que, por mucho que se esfuerce en manipular su argumento a golpe de piruetas de guión para hacerlo parecer muy profundo, el castillo de naipes que construye se le desmorona en un santiamén.


Aparte de los actores ya nombrados, En Tercera Persona cuenta también con gente como Olivia Wilde, Maria Bello, James Franco o la mismísima Kim Basinger, entre otros. Pero de nada sirve que arrope su película con un casting más o menos atractivo si la oferta es tan vacía de contenido como ésta, sustentando toda su teórica fuerza en un par de giros argumentales presuntamente sorprendentes pero que, en realidad, no son más que la obra de un fullero de mucho cuidado. En esta ocasión, Haggis parece haber perdido su musa, al igual que le sucede al personaje de Liam Neeson.

3.3.15

Luz, color y extravagancia


Cuatro años después de Another Year, el realizador británico Mike Leigh vuelve a la carga con una nueva cinta, Mr. Turner, en la que da un repaso a los últimos 25 años de J.M.W. Turner, un prestigioso pintor inglés del siglo XIX, explorando, ante todo, su extraño y un tanto anárquico carácter, al tiempo que expone la fascinación de éste por la luz y los colores.

Ambientada de forma espléndida en la Inglaterra de la primera mitad de 1800, el cineasta se acerca a la controvertida personalidad del pintor de forma intima y contando, para ello, con la maravillosa colaboración de un Timothy Spall en estado de gracia quien, con su savoir faire, hace una magistral recreación de la figura de J.M.W. Turner jugando con sus tics (curiosos sus bramidos guturales) y dejando al descubierto la cínica y al mismo tiempo desconcertante forma de comportarse del artista. Una interpretación llena de matices  que fue galardonada, merecidamente, en el último festival de Cannes.


Mr. Turner habla del fanatismo de éste por el paisajismo, centrándose, de manera muy especial, en su gran especialidad: los temas marinos y su entusiasmo por captar todo cuanto le llamaba la atención en un pequeño cuaderno que siempre llevaba consigo; notas pictóricas que después utilizaba a la hora de plasmar sus impresiones sobre el lienzo.

La película de Leigh tiene un ritmo pausado, dedicándose a narrar distintos episodios de la vida del pintor de forma detallista, con cierta sorma y sin escatimar, en momento alguno, los detalles más morbosos de su biografía, tal y como sucede con la oscura relación que mantiene con su doncella, una mujer por la que no siente ninguna estima pero a la que utiliza para calmar su apetito sexual.


Hace hincapié en el dolor que le causó la muerte de su padre, sus visitas (al parecer, bastante incontroladas) a burdeles de todo tipo y condición, sus devaneos con la aristocracia británica y el tenso mal rollo que mantuvo durante mucho tiempo con sus compañeros de profesión, con los que se enfrentó en más de una ocasión en el seno de la Real Academia de las Artes, así como su afición a viajar en barco, lugar en el que su inspiración volaba hasta límites insospechados. Y sin olvidar, ante todo, la relación sentimental que mantuvo en secreto con una viuda con la que convivió, durante los últimos cuatro años de su vida, en una pequeña casita de Chelsea, a las orillas del Támesis.


A pesar de su fuerza melodramática para dibujar el carácter de un genio atípico y un tanto conflictivo, Mr. Turner no sería lo mismo sin la brillante y luminosa fotografía de Dick Pope, la cual, por momentos, parece sacada directamente de algunos de los cuadros del célebre pintor: todo un canto a la luz  y al color; un claro guiño a una de las obsesiones principales del artista.


Un biopic muy recomendable que, en parte, se aleja un tanto de la filmografía anterior de Mike Leigh, ya sea por su tratamiento como por la época en la que discurre la acción.

28.2.15

Vulcano se viste de luto


Mal día para los trekkis. Leonard Nimoy ha iniciado un viaje interestelar sin retorno y más allá de la Enterprise.

Descanse en paz.

27.2.15

A la mañana siguiente


No Confíes en Nadie es el estúpido título español del más apropiado Before I Go to Sleep inglés (antes de ir a dormir), aunque, al mismo tiempo, significa un tremendo aviso, ya que muy bien, a ese "no confíes en nadie", se le podría haber añadido la coletilla “ni siquiera en Rowan Joffe”, el director de este thriller protagonizado por Nicole Kidman y Colin Firth, dos actores que repiten juntos en pantalla tras habernos aburrido soberanamente, el pasado verano, con la insulsa Un Largo Viaje.

En esta ocasión, Kidman y Firth dan vida a un matrimonio que está pasando por un mal momento. Ella, después de sufrir un accidente, se ve afectada de un peculiar tipo de amnesia, ya que cada día, al despertar, no recuerda absolutamente nada de su vida anterior, pudiendo retener las nuevas informaciones que le llegan durante tan sólo ese día ya que, a la mañana siguiente, tras haber dormido, volverá a tener su mente en blanco. Un extraño bucle tras el que, en realidad, se esconde mucho más que un simple accidente.


La propuesta, en un principio, engancha. Incluso, para dar más aliciente a la cosa, aparece un tercero en discordia, el siempre efectivo Mark Strong, dando vida a un psiquiatra que trata a la amnésica de la Kidman en secreto, a expensas de su marido. Hasta aquí, todo bien. Después, el invento empieza a torcerse de mala manera.


El gran problema estriba en la realización y en el guión del propio Rowan Joffe quien, basándose en la novela de S. J. Watson, de tanto estirar y remachar las mismas situaciones una y otra vez, transforma a la cinta en una especie de pez, poco apetecible, que no para de morderse la cola. Tanto llega a mordérsela que, por el camino, deja un montón de agujeros sin respuesta y de pasajes totalmente ilógicos, aparte de convertirse en una intriga llena de truculencias y de sorpresas (teóricamente inesperadas) de lo más tramposo.

Un thriller rutinario, falso y exento de cualquier tipo de personalidad. Por mucho que Nicole Kidman se esfuerce en llorar y sufrir de lo lindo y que Colin Firth (igual de pasmarote que casi siempre) intente dotar de cierta entidad y misterio a su personaje, a la película le cuesta muchísimo arrancar. Y, cuando por fin lo logra, lo hace mal, precipitadamente y dejando un rastro de inexplicables enigmas por resolver.


No confíe en nadie… y mucho menos en quien pueda recomendarle una nimiedad como esta.

24.2.15

El sueño de una noche de invierno (Oscar 2015)

Fue una noche larga, como ya es habitual, y llena de reivindicaciones de todo tipo. La gente de color reclamó sus derechos una y otra vez, mientras que Patricia Arquette, ejerciendo de feliz matrona con el Oscar en una mano, vivía su momento Norma Rae exigiendo un mejor lugar para las mujeres dentro de la industria del cine, al tiempo que una desbocada Meryl Streep se unía a sus quejas desde el patio de butacas.

Neil Patrick Harris se estrenaba como maestro de ceremonias, haciéndose pasar por mago, quedándose en gayumbos ante todo el personal, cantando y bailando para dar un repaso a la historia del cine y a las ocho películas nominadas e insistiendo para que Eddie Redmayne despertara, de vez en cuando, a su vecino de butacas, un Robert Duvall que acudió a la cita disfrazado de juez senil.


Travolta demostró que a él también le encanta jugar al tocador de la señorita Pepis en plan Renée Zellweger y Lady Gaga se transformó por unos minutos en una Julie Andrews tatuada para marcarse un homenaje a los 50 años de Sonrisas y Lágrimas y a los 80 tacos de Maria von Trapp.


Interpretativamente hablando, las enfermedades fueron las triunfadoras de la noche: el alzheimer (Julianne Moore) y el ELA (Eddie Redmayne) se impusieron por sobre del colectivo gay (Benedict Cumberbacht), los derechos laborales (Marion Cotillard), mochileras en busca de redención (Reese Whiterspoon), millonarios narigudos y disfuncionales (Steve Carell), esposas sufridoras (Felicity Jones), heroicos veteranos de guerra (Bradley Cooper), mujeres psicópatas (Rosamund Pike) y actores en crisis con ganas de volver a alcanzar el estrellato (Michael Keaton).

Por otra parte y en un apartado más secundario, maestros de música despóticos (J. K.Simmons) y madres abnegadas (Patricia Arquette) desbancaron a enfermos terminales de cáncer (Laura Dern), jueces homicidas (Robert Duvall), jovencitas con problemas de drogadicción (Emma Stone), padres esforzados (Ethan Hawke), chicas crucigramistas (Keira Knightley), actores engreídos (Edward Norton) y brujas desmelenadas (Meryl Streep).


Seis superhéroes y un primo hermano del muñeco de Michelín (Big Hero 6) dejaron arrinconados a un dragón medio desdentado (Cómo Entrenar a tu Dragón 2) y a un grupo de monstruitos envueltos en cajitas (Los Boxtrolls), mientras un ejército de Legos ninguneados se miraban la ceremonia con cierta distancia emotiva.

Una monja judía que atendía por Ida, mediante su particular leviatán y pegándose un fenomenal atracón de mandarinas, protagonizó uno de los relatos salvajes de la noche, dejando más lejos que nunca a la localidad de Timbuktu.

Y allí, en la ciudad de Selma y sobre la azotea de un hotel premiado por el lujo de su arquitectura y diseño (El Gran Hotel Budapest), un francotirador apostado erró todos sus disparos, dejando que se escapara volando hacia la gloria un hombre pájaro (Birdman) que dejó boquiabierto a un jovencito al que vio crecer durante 12 años (Boyhood), al tiempo que, mediante un complicado juego de imitación (The Imitation Game) y un fuerte y sonoro latigazo (Whiplash), dejaba con un palmo de narices al mismísimo Stephen Hopkins (La Teoría del Todo).


El año que viene, más. Mientras, pueden consultar toda la lista de ganadores en este link.

21.2.15

Nacío pá matar


Tras su discutida aunque ligera y agradable incursión en el musical con Jersey Boys, Clint Eastwood vuelve a lo suyo con El Francotirador, un film bélico que narra la vida de un personaje real, Chris Kyle, un francotirador de los Navy Seal que terminó convirtiéndose en “leyenda” por la precisión de sus disparos y cuya misión era proteger las incursiones de los marines durante la guerra de Irak. Todo un hombre "nacío pá matar".


Bradley Cooper, un actor con ganas de dar un giro radical en su carrera y encarnar a un personaje que le permitiera jugar con su físico, compró los derechos del libro sobre las hazañas belicosas y familiares del tal Chris Kyle y le ofreció a Steven Spielberg la posibilidad de convertirlo en película. Este puso manos a la obra pero, a la hora de empezar a rodar, se echó “patrás” y le endosó la patata caliente al amigo Eastwood, quien aceptó el reto y tiró “palante” el proyecto de forma bastante desinteresada, tal y como puede apreciarse con el resultado final.

El Francotirador es un trabajo sin ángel. No emociona ni con los conflictos sentimentales, familiares y matrimoniales del héroe americano, ni tiene el mínimo brío necesario para desarrollar sus escenas de acción. La monotonía y el automatismo de Eastwood tras la cámara resultan ciertamente preocupantes. Tan poco interés demuestra el “maestro” en esta ocasión que, por ejemplo, en la escena del nacimiento de la hija de Kyle, en lugar de contar con la presencia de un bebé real, nos endilga, con todo el descaro del mundo, un muñeco de lo más descarado cuya única gran proeza es ir moviendo delicadamente una de sus manitas. De juzgado de guardia, al igual que el desmesurado barrigón de plastilina de la esposa del protagonista (una desaprovechada, por cargante, Sienna Miller) durante su primer embarazo.


Clint Eastwood ha ido a cubrir el expediente bajo mínimos, dejando al descubierto a un Bradley Cooper que, a pesar de su esfuerzo en conseguir una sorprendente transformación física para adoptar el aspecto de un soldado brutote, parece totalmente perdido a bordo de un papel que ansiaba con todas sus fuerzas, el de un héroe yanqui que decidió alistarse al cuerpo de los Navy Seal tras ver por televisión el efecto de un atentado iraquí a una embajada norteamericana. Y no les cuento lo del encabronamiento posterior de nuestro matador condecorado cuando ve caer, también a través de la tele, las dos torres gemelas el 11 de setiembre de 2001.


La cinta, aparte de innecesariamente alargada, queda totalmente deslavazada. Los saltos temporales son tan descontrolados que incluso, por momentos, parece perder la noción del paso del tiempo y la de realidad (tienen delito las llamadas telefónicas a la esposa en pleno combate). Los hijos de Kyle crecen a pasos agigantados, mientras que las continuas idas y venidas de Irak a su hogar en Norteamérica, lo único que hacen es romper totalmente el ritmo en los dos frentes de narración que se van alternando a lo largo de su cansina proyección, diluyéndose todo en una narrativa anodina en donde lo único que sobresale es un tufillo fascistoide y patriótico que tira totalmente de espaldas.


Un Eastwood para olvidar, más cercana en intenciones al facherío de El Sargento de Hierro que a ese otro gran título sobre francotiradores que, dirigido por el francés Jean-Jacques Annaud, atendía por Enemigo a las Puertas. Una pena que, sin embargo, ha conseguido 6 nominaciones al Oscar, incluidas las de mejor película, actor y guión adaptado. Alucino pepinillos.

20.2.15

Olorcillo corporal


El canadiense Jean-Marc Vallée, tras haber dirigido esa interesante Dallas Buyers Club que le valió el Oscar a mejor actor a Matthew McConaughey, vuelve a colocarse tras la cámara para afrontar, con Alma Salvaje, un nuevo biopic en forma de odisea excursionista: la aventura que vivió en solitario la escritora Cheryl Strayed para salir del pozo en el que había caído; un pozo en donde se mezcla un matrimonio fallido, su drogodependencia, sus escarceos sexuales con hombres de todo tipo y condición y, de propina, los recuerdos de una madre que lo fue todo para ella. Una aventura sudorosa cuya principal meta, aparte de asustar fantasmas personales, fue hacer una caminata de más de mil millas a través del Sendero de las Cimas del Pacífico.


Alma Salvaje arranca cuando una joven Cheryl Strayed decide abandonar su mierda de vida actual y se carga a la espalda una mochila (o, mejor dicho, una mochilaza) para pegarse una inmensa caminata, en plena naturaleza y sin experiencia alguna, en busca de cierta redención espiritual. A partir de ahí, el espectador asistirá a los avatares de la excursionista durante su viaje de exoneración y a un sinfín de flash-backs que van enseñando, un poco sin orden ni concierto y metidos un tanto con calzador, los motivos que llevaron a la literata a tan dura prueba.

Es innegable que la cinta está cargada de buenas intenciones; muy buenas intenciones, cosa que no evita que algunos de sus pasajes (aparte de reiterativos) resulten de lo más aburrido. En su recorrido, alterna la suciedad, el dolor de pies y las gachas frías, con un desfile de personajes de lo más variopinto, desde su madre (a la que da vida una magnífica, aunque envejecida, Laura Dern), con la que mantuvo una fuerte relación emotiva, hasta el calvario con su marido, pasando por los distintos individuos que se va cruzando en su camino.


Un camino arduo, largo y que, para muchos (yo me incluyo entre ellos) puede parecer francamente interminable ya que, uno de sus mayores defectos, estriba en el cansino ritmo que Vallée le ha imprimido a su narración; una narración que parece adormecerse demasiado a menudo para, en su recta final, terminar de forma precipitada la historia propuesta, dando la impresión de que a su guionista, Nick Horby (basándose en las memorias de la propia Strayed), se le habían acabado todos los recursos melodramáticos de su exposición.

Si algo tiene de bueno este producto, aparte de las “buenas intenciones” antes señaladas, es la compacta interpretación de Reese Whiterspoon (productora también del mismo) quien, por su perfecto trabajo metiéndose en la piel de la autora, ha sido nominada al Oscar a mejor actriz, al igual que la también excelente Laura Dern que, en las funciones de su progenitora, ha conseguido la nominación a mejor secundaria.

En definitiva, una especie de telefilme, de los que las televisiones emiten los domingos por la tarde, sobre historias de superación personal de esas que tanto gustan al público norteamericano. Un film que, sin embargo, hubiera resultado ideal filmarlo con aquel sistema que años ha ideó John Waters para su Polyester: el Odorama; un precario sistema que permitía al espectador sufrir los olores de la película. ¿No sería encantador, en Alma Salvaje, notar el tufillo corporal que desprende la Whiterspoon tras andar días y días, a pleno sol, y sin una puta ducha en su camino? Pues eso.

18.2.15

Descolorida


Nominada al Oscar como mejor película y mejor tema musical por la canción Glory y no previsto su estreno en España hasta el próximo 6 de marzo, Selma, de Ava DuVernay y producida, entre otros por la omnipresente Oprah Winfrey (con pequeño papel incluido) y Brad Pitt, narra la lucha de Martin Luther King Jr. por el derecho al voto de la gente de color que culminó en una multitudinaria marcha pacífica desde la ciudad de Selma a Montgomery (Alabama) a mediados de los años 60.


Centrada, principalmente, en la figura de Martin Luther King (interpretado, con muy poca convicción, por David Oyelowo), Selma indaga (también con poquísima convicción) en la campaña iniciada por el líder afroamericano y en sus enfrentamientos dialécticos con Lyndon B. Johnson, el por entonces presidente de los EE.UU., intentando reflejar, al mismo tiempo, la crispación racial existente, las divergencias ideológicas con los partidarios de Malcom X y los efectos que esa lucha causaron en el seno familiar del propio Luther King.


Selma, por su aséptico tratamiento cinematográfico, es una película sin alma; una especie de telefilme que, por mucho que su directora se empeñe en llenarlo de rostros conocidos para darle más empaque a la cosa (Tom Wilkinson, Giovanni Ribisi, Dylan Baker o Tim Roth, sin ir más lejos), acaba resultando un producto sin garra ni magnetismo alguno, aunque, eso sí, cargado de buenísimas intenciones. Pero, como ya he dicho en muchas ocasiones, las “buenas intenciones” (en este caso, políticas y sociales) no son suficientes para elaborar un buen trabajo.

Un espléndido ejemplo de la poca fuerza que destila Selma y de la mínima destreza como realizadora de la tal Ava DuVernay, se encuentra en la minimalista forma de rodar la violenta carga policial que desmanteló a un numeroso grupo de manifestantes negros que intentaban iniciar una marcha, de forma pacífica, en el puente de Edmund Pettus de la citada ciudad de Selma. Es tan nula su habilidad a la hora de poner la cámara, que la brutalidad policial que pretende mostrar al espectador se queda en agua de borrajas.


El año pasado, 12 Años de Esclavitud (producida también, curiosamente, entre otros, por Brad Pitt) consiguió el Oscar a mejor película, mejor actor y mejor guión adaptado. Con Selma, incidiendo de nuevo en el tema de la segregación racial, vuelven a intentar una jugada similar. Pero, en esta ocasión y vistos los pobres resultados del invento, tienen todas las de perder.