Con la muerte en los talones

Amor es la prueba palpable de que el cine del alemán Michael Haneke es duro y difícil a partes iguales. Duro debido a las temáticas que suele afrontar, y difícil por su particular narrativa; una narrativa que, por su lentitud expositiva y por esa cantidad innumerable de planos inmóviles e interminables, puede resultar complejo para muchos espectadores.

Inevitablemente, Amor posee las dos constantes. Por un lado, a través de un matrimonio octogenario, se acerca a una temática tan áspera como la de la tercera edad, la enfermedad y la degradación del cuerpo y la mente humanas, así como al derecho a una muerte digna. Y, por el otro, ello lo trata mediante su ya habitual y soporífero estilo narrativo, cosa que, en parte, merma un tanto la posibilidad de comunicar emotivamente y al cien por cien con la platea. A pesar de ello y debido al hiperrealismo con el que se plasma la relación de los dos ancianos, en ciertos pasajes llega a colapsar por completo los sentimientos del público.

La cinta se beneficia del brillante trabajo de sus actores. Jean-Louis Trintignant (alejado de las pantallas desde el 2004) y Emmanuelle Riva son Georges y Anne, esa pareja longeva, profesores de música retirados, que tendrán que superar una de las pruebas más espinosas de la condición humana, mientras que Isabelle Huppert, en una breve aunque consistente colaboración, borda el rol de una hija que no acaba de comprender la forma de actuar de un padre ante la inminente muerte de su madre.

Amor es como una especie de obra teatral minimalista. La cámara prácticamente no sale del domicilio del matrimonio protagonista. Indaga por todos los rincones de éste y, si es necesario, hasta se cuelga como una musaraña con primeros planos de las obras pictóricas que adornan sus paredes; un truco muy a lo Haneke para entusiasmar a la gafapastada y, al mismo tiempo, provocar cierta sensación de sopor en el resto de los parroquianos. Un sopor que, por cierto, rompe y anula totalmente a través de una escena lapidaria, tan cruda como inesperada; una escena sobre la cual se ha orquestado todo su argumento.

Un vaivén de impresiones contradictorias componen el metraje del film, desde esa sensación de aburrimiento que puede provocar el asistir, desde las sombras, a la intimidad del devenir diario y cansino de una pareja ante la enfermedad, hasta la sorpresa gélida (y en el fondo muy lógica y humanitaria) de la escena antes citada. En definitiva: Haneke aburre y conmociona a partes iguales. Y es que el tipo, por muy pedantillo que sea su cine, se mantiene fiel a sus principios: el mal rollo como gran paradigma y el silencio más categórico como resolución final.

La gran estafa

La máquina de hacer dinero que generó la trilogía de El Señor de los Anillos vuelve a ponerse en marcha. Y con una nueva trilogía basada, igualmente, en un libro cortito del propio Tolkien que, en este caso, Peter Jackson ha engordado truculentamente para sus propósitos. Su primera entrega es El Hobbit: Un Viaje Inesperado, un trabajo que, aparte de no ofrecer nada nuevo con respecto a lo ya visto con anterioridad, ha logrado aburrirme de forma soberana.

Confeccionada como una precuela de El Señor de los Anillos, cambia el protagonismo de Frodo Bolsón por el de Bilbo Bolsón y ambienta la acción 60 años antes de lo que ya conocíamos. Continúa con el mismo espíritu aventurero de la saga primeriza, aunque se repite en hazañas y combates con seres de todo tipo. Orcos, trasgos y huangos se enfrentan, a lo largo y anchísimo de su pesaroso metraje, con un grupo de enanos que, en compañía de Gandalf y de un joven Bilbo, se disponen a reconquistar la que fuera su patria, ahora en manos de un dragón enganchado por el oro que les pertenecía.

Al contrario que la trilogía inicial, a ésta le falta el alma y la fuerza necesarias para enganchar al espectador. Todo está descaradamente hinchado para lograr la friolera de tres películas de casi tres horas de duración cada una de ellas. Así, sus primeros sesenta minutos, están estirados hasta extremos impensados. Aparte del flash-back que abre la cinta (en dónde se narra la expulsión de los enanos de su tierra), la cosa no da para mucho. Peter Jackson se saca de la manga un extenso prólogo tan innecesario como pueril. El tedio que rezuma es tal que desconecta de la historia al más pintado. Puestos a dilatar el invento, el hombre hasta es capaz de regalar a la hastiada platea una cancioncilla interpretada por los invitados a una interminable fiesta en casa de Bilbo.

Luego empieza la acción. Una acción que ni emociona ni convence. Los efectos especiales y las cromas se suceden sin orden ni concierto. Los errores en las proporciones de los personajes (ya saben, la mayoría de ellos bajitos) son incalculables, así como soporífero el amplio pasaje dedicado a Gollum y sus acertijos. Vaya: un descomunal despropósito solo construido con la única finalidad de seguir engrandando las arcas.

La modorra está servida. Suerte que, para paliar tanto disparate, allí está la grandeza y profesionalidad de Ian McKellen en la piel del inefable Gandalf, casi el único acierto de la cinta ya que, en el papel de un joven Bilbo, toca sufrir las gracias y fáciles recursos de comediante de tres al cuarto de Martin Freeman, ese televisivo doctor Watson del moderno Sherlock de la BBC.

¡Qué duro resulta aguantar tres horas con las malditas gafas del 3D! Y más cuando uno piensa que aún faltan dos abultadas entregas más… Posiblemente, si la hubiera visto antes de acabar el año, habría figurado en un lugar de honor entre las diez peores del 2012.

El sexto sentido

Siguiendo los pasos de la interesante Los Mundos de Coraline, llega ahora El Alucinante Mundo de Norman, una nueva cinta de animación stop-motion que, más dirigida al público adulto que al infantil, significa un inmenso homenaje al cine fantástico (y a la serie B) en toda su extensión. Cadáveres purulentos, fantasmas parlanchines, brujas amargadas y zombis milenarios se aúnan para dar vida a un producto compacto que, a través del humor y también de la acidez, es capaz de sacarnos a flote aquel niño que todos llevamos en nuestro interior.

La cinta, dirigida al alimón por Chris Butler y Sam Fell, tiene como protagonista principal al joven Norman Babcock, un muchacho que, al igual que el pequeño Haley Joel Osment de El Sexto Sentido, posee la facultad de ver y hablar con los muertos; un poder que, ante los ojos de sus compañeros de escuela y de su propia familia, le han convertido en un friki de alto voltaje. Pronto, su paranormal talento, se convertirá en el principal aliado para conseguir acabar con una antigua maldición que, lanzada por una bruja, ha castigado a su pueblo. Las brujas de Salem tienen un mucho de culpa en toda la historia.

La locura está servida. Los guiños cinéfilos no sólo se acercan al género fantástico, sino que incluso van más allá: la locura colectiva de tan bien retrataba Arthur Penn en la magnífica La Jauría Humana vuelve a repetirse, ahora en forma de masa humana reclamando el cuello de seis zombis e incluso el del joven Norman. La bestialidad del ser humano tomando forma en un film de animación y llenando de violencia las calles de una pequeña villa con un pasado en forma de LetraEscarlata. Sencillamente sorprendente e ingenioso.

Con la imaginación que destila El Alucinante Mundo de Norman (innecesario título español para el más apropiado ParaNorman de su original), no era necesario recurrir a ese truco de feria barata del 3D para atraer a más espectadores. Y más cuando, como ocurre en este caso, no es ningún sistema tridimensional aparatoso ni deslumbrante. Hay más que suficiente con la ingeniosidad de su guión, la brillantez de su puesta en escena y la perfección de su stop-motion para disfrutar de lo lindo con la propuesta. Toda una gozada.

Recapitulando (y II): Lo más peor del 2012

Tal y como les prometí, ahí van los 10 peores títulos del 2012, de lo nefasto a lo más nefasto. O sea, del 10 al 1.

10.- Los infieles. Una película francesa de episodios que, girando todos ellos alrededor de la infidelidad masculina, nos ofrece todo un recital de chabacanería en su máxima expresión. Su principal reclamo comercial se basa en los nombres de Jean Dujardin y Michel Hazanavicius, actor y realizador respectivamente de la oscarizada The Artist: el primero sobrepasando los límites del histrionismo y el segundo demostrando, al igual que los otros tres realizadores, una merma de inspiración alarmante. De una simplicidad que tumba de espaldas. Básica, básica, básica. Su humor hortera rebasa los límites de lo tolerable. Landa, López Vázquez y Ozores, en sus tiempos, consiguieron incluso mejores resultados (¡qué ya es decir!) contando exactamente los mismo.

9.- Madrid, 1987. Más de hora y media soportando la voz de falsete de José Sacristán y la mala de dicción de María Valverde, ambos en pelota picada y encerrados accidentalmente en un cuarto de baño durante casi todo el metraje. La verborrea del primero y la poca química existente entre ambos actores se encargan de acabar con sus buenas intenciones. Más que tratarse de una película, da la impresión de estar ante un mal texto literario cargado de forzados guiños políticos, cinéfilos y sexuales. Un David Trueba más gafapastoso de lo normal se encarga de la dirección y del guión. De hecho, sus (nada naturales) diálogos recuerdan a los del cine más rancio de José Luis Garci. Soporífera y equivocadamente pedante.

8.- El Dictador. Tras esa especie de (sobrevaloradísimos) falsos documentales que significaron Borat y Bruno, la pareja compuesta por Larry Charles (director) y Sacha Baron Cohen (actor) vuelve a la carga con una ficción sobre un dictador norteafricano dispuesto a evitar que la democracia llegue a su país. A pesar del empeño de ambos por hacer reír, se me antoja una comedia de lo más burdo y patético. Su empeño por provocar no va más allá del humor grueso, en donde la escatología y la brutalidad sexual se alzan como grandes protagonistas, mientras que el discurso político resulta de lo más simplón y previsible. Ya es hora de que alguien diga que el Baron Cohen es un bluf de muchísimo cuidado. Aún es hora de que algunos de sus chistes me hagan sonreír.

7.- Año de Gracia (Any de Gràcia). A la última película de Ventura Pons no hay por donde pillarla. Más que un film dirigido por un profesional con años de experiencia, da la impresión de tratarse de un trabajo amateur firmado por un quinceañero con ganas de debutar en el cine. Un producto extremadamente básico, tanto en el aspecto temático como técnico, ya que su historia (centrada en la relación entre un joven estudiante y su casera, una mujer mayor y solitaria),  en su planteamiento, desarrollo y situaciones, no podría ser más simple, tontorrona y pueril. Costumbrismo de tres al cuarto, en donde los tópicos no dejan de sucederse: empezando por el buenismo de ciertos personajes y terminando por la postalita turística que nos ofrece del barcelonés barrio de Gràcia.

6.- El Exótico Hotel Marigold. Una comedia melodramática, amparada en la truculencia de la lágrima fácil y protagonizada por un grupo de jubilados británicos dispuestos a vivir sus últimos años en un hotel de la India. Sus chistes son fáciles, sus (buenos) actores parecen perdidos en medio de un montón de historias a cual más ridícula y los desenlaces de las diversas historias planteadas resultan de lo más previsible y cursilón. Melaza en grado sumo, de la que se indigesta durante varios días. El buenismo viejuno está servido.

5.- Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros. Lo que podría haber sido todo un delirio argumental y visual -al convertir al que fuera presidente de los EE.UU. en un experto matador de chupasangres- no es más que una chorrada pésimamente narrada y dotada de unos efectos especiales de lo más paupérrimo. Filmada sin convicción alguna, la cinta navega entre el biopic más alucinado (con continuas referencias a la lucha por terminar con el esclavismo) y el cine de acción al más puro estilo comiquero. No busquen ni un buen guión ni diálogos mínimamente inteligentes: la cosa no pasa de ser una oda a la croma y a la digitalización de la imagen. Tim Burton ejerce de productor. De juzgado de guardia.

4.- De Tu Ventana A La Mía. Un collage mal planteado y peor servido. Film de una pretenciosidad inmensa que pretende hablar de muchos (demasiados) temas sin decir  absolutamente nada. Tres historias distintas, entrecruzadas a lo largo del metraje, protagonizadas por mujeres y ambientadas en épocas diferentes. Un trabajo artificioso y aburrido, en donde priva más el continente que el contenido, de ritmo lentísimio y con tres interpretaciones afectadísimas. Da pena ver a toda una Maribel Verdú metida en un producto tan disperso y fatuo como éste.

3.- Blancanieves (Mirror, Mirror). Tres han sido las Blancanieves del 2012, aunque ninguna tan disparatada y delirante como la de Tarsem Singh. Una visión del cuento clásico en clave presumiblemente humorística. Y digo “presumiblemente” porque la cosa tiene la gracia directamente en el culo. Cercana en estética a los televisivos Chiripitifláuticos, esta execrable cinta posee en su haber una de las peores interpretaciones de Julia Roberts. Un producto ridículo y con unos efectos especiales ciertamente deplorables. Para mear y no echar gota.

2.- El Bosque (El Bosc). Una nimiedad de lo más cutre que, con todo el aspecto de una telemovie de poquísimo presupuesto, se muestra capaz de mezclar en su argumento a la guerra civil española con una historia de ciencia-ficción. Ambientada en el Bajo Aragón, se adentra en el seno de una familia de payeses en cuyos terrenos albergan una puerta hacia otro mundo; un portal luminoso (en plan disco de los 70) que, una vez iniciada la contienda, será utilizado bastante a menudo por el propietario para huir de los milicianos. Tras la cámara, un hombre de cierto prestigio: un Óscar Aibar que, en esta ocasión, ha perdido los papeles en el maremágnum de una fábula disparatada, ridícula y políticamente sospechosa. Tras su proyección, me quedé con una cara de besugo tremenda.

1.- Holy Motors. Soberana y aburridísima pedantería del francés Léos Carax. Una fábula onírica (o, mejor dicho, una colgada indignante) que, siguiendo al pasajero de una limusina en su larga travesía por las calles de París, hace un recorrido por los distintos roles del ser humano, tanto en la vida como en la muerte. Soledad, amor, sexo, violencia, hastío, cotidianeidad… centenares de conceptos amontonados sin orden ni concierto. El Carax usa el prestigio que le da su nombre, va de inteligente, lo sabe todo y se atreve con todo. Él es el gurú del cine actual. Para impartir su clase magistral se vale de Denis Lavant (el tío al que Eva Mendes se la pone palote), su claro alter ego, un cargante actor que representa a varios personajes distintos a lo largo de sus dos interminables horas de duración. Rayando el mal gusto en algunos episodios (ciertamente desagradable el protagonizado por la Mendes) y tremendamente irritante en otros (ese número musical interpretado por Kylie Minogue en plan peli del Jacques Demy), la cinta se me antoja como un gigantesco grano en el culo.

Recapitulando (I): Lo más mejor del 2012

Al igual que en temporadas anteriores y siguiendo la tradición, por estas fechas es casi obligatorio darle un repaso a lo mejor del año, destacando los diez títulos que más me han enganchado. Una temporada irregular en la que, sin embargo, han brillado algunas películas por encima de otras. En esta ocasión, la elección no ha sido excesivamente difícil, aunque se han quedado algunos excelentes productos en el tintero, como El Irlandés, los Piratas de la Aardman o la más reciente El Alucinante Mundo de Norman.

Como ya es habitual, las mejores películas del 2012 irán numeradas de lo mejor hasta lo más mejor. O sea, del 10 al 1.

10.- Carmina O Revienta. El debut tras la cámara y en el guión de Paco León no podría haber sido más estimulante. Una especie de docudrama familiar que, interpretado por su propia madre (contundente Carmina Barrios), se convierte en un todo un canto a esa picaresca española que tanto le ha dado a nuestra filmografía. Cercana al espíritu gamberro del Torrente de Santiago Segura, la cinta navega entre el friquismo y el cutrerío patrio y se muestra totalmente victoriosa en el retrato de una familia disfuncional marcada, ante todo, por la figura de una madre todoterreno dotada de un sentido muy peculiar de la ética. Huyendo de lo que prometía ser un melodrama suburbial, León apuesta por una comedia muy sui géneris en la que la escatología, el surrealismo y algún que otro toque gomaespumoso se alzan en sus grandes protagonistas.

 

9.- Tenemos Que Hablar de Kevin. Un melodrama introspectivo y de narrativa compleja que, a pesar de su dureza argumental, se salda con resultados excelentes. Dirigida en EE.UU. por la escocesa Lynne Ramsay, la película se centra en el estado depresivo de una mujer que se plantea hasta que punto contribuyó al violento carácter de su hijo mayor, un chico que en su adolescencia cometió un acto de brutalidad excesiva. Huyendo de la narrativa lineal habitual y apostando por acercarse a sus personajes a través de cierta dispersión temporal, la realizadora acierta en su planteamiento expositivo pues, de este modo, matiza mucho mejor ciertos aspectos que resultan clave en la deconstrucción del sombrío carácter del joven, un muchacho que tiene más de monstruo que de teenager. Un producto reflexivo, turbador, por momentos terrorífico y con cierto regusto a tragedia griega. Un ejercicio de estilo, de tonos rojizos y capaz para dejar un montón de dudas en el espectador. Atención a la magnífica interpretación de Tilda Swinton.

 

8.- Arrugas. Premiada con el Goya a la Mejor Película de Animación y al Mejor Guión Adaptado, la cinta de Ignacio Ferreras traslada a la gran pantalla el cómic homónimo de Paco Roca. En ella se refleja la vida en un centro geriátrico y se aproxima al terrible Alzehimer a través de los ojos de un anciano que ha empezado a sufrir sus primeros síntomas. Conmovedora y tierna, a pesar de su aparente dureza, no renuncia a volcar una gran pizca de humor en su narración, dándole al trabajo un claro aspecto de cuento para adultos. La pérdida de la memoria nunca había sido tratada con tanta delicadeza y elegancia.

 

 

7.- Mi Semana Con Marilyn.  Ambientado en el Londres de 1957, el film repasa un episodio muy concreto de la vida de Marilyn Monroe, casi anecdótico, que sucedió durante la filmación de El Príncipe y la Corista. Más que en el set de rodaje, su realizador (Simon Curtis) centra su atención en la relación que se estableció entre la estrella y el tercer ayudante de dirección, un joven que se aproximó humildemente a la actriz y la apoyó en sus momentos de incertidumbre: una tierna relación, marcada por el feeling mutuo y por la delicadeza con la que ambos personajes aceptaron su encuentro. Un cariñoso y apasionado modo de tratar la figura de Marilyn que se apoya en la magistral interpretación de una fenomenal y metamorfoseada Michelle Williams capaz, incluso, de conseguir una mirada triste idéntica a la que en muchas ocasiones luciera la protagonista de Vidas Rebeldes. El cine visto desde las bambalinas. Un icono sexual bajado con afecto hasta niveles terrenales. Un amor platónico retratado con una elegancia exquisita. ¿Quién da más?

6.- Terraferma. Pésimamente estrenada, la película supone una buena muestra del cine italiano actual. Un producto crítico y de emociones calibradas, tras el que se esconde un contundente juicio en contra de la ley implantada por Berlusconi acotando demasiados márgenes en cuanto a la entrada en el país de pateras procedentes del Norte de África. Un film vibrante y comprometido, lleno de momentos emotivos y, al mismo tiempo, capaz de ofrecer, con un mucho de sorna, pasajes cercanos a los de la mejor comedia mediterránea. El neorrealismo no ha muerto: su director, Emanuele Crialese, lo ha recuperado de nuevo. Un trabajo sensible y comprometido.

 

5.- La Invención de Hugo. Un emocionante homenaje al nacimiento del cine como propulsor de sueños. El maestro Scorsese cambia de estilo, aunque se mantiene fiel a esa reconocida fascinación personal que siente por el Séptimo Arte, asi como por la magia que desprende. Un trabajo apasionado, imprescindible y de visión obligatoria, tocado por la hechicera varita de Georges Méliès, uno de los pioneros del cine al que la película se le acerca de manera afectuosa, desde una óptica mágica y con una ternura exquisita. Un gigantesco tributo al cine construido a golpe de pequeños guiños; divertido, tierno, emotivo, elegante... Simplemente una obra mayúscula, única y distinta que incluso aplica la tecnología del 3D de forma inteligente. Y es que el cine aún sigue teniendo las mismas aspiraciones de barraca de feria que en sus inicios.

 

4.- Los Descendientes. Un film compacto, emotivo y envolvente, protagonizado por un George Clooney fuera de serie. Un melodrama de tintes familiares ambientado en los (antes) exóticos paisajes de un Hawai en plena decadencia. Una cinta conmovedora, de guión preciso y diálogos brillantes. Todo está en su sitio, calibrado para que funcione como un engranaje de precisión. Sensible y al mismo tiempo dotada de un peculiar sentido del humor, hurga en los sentimientos del espectador sin caer en la truculencia de la lágrima fácil. Amor, muerte y decepción, todo ello orquestado por el particular punto de vista de Alexander Payne.

 

 

3.- Mátalos Suavemente. Cine negro en mayúsculas, con un sinfín de personajes estrambóticos pululando en pantalla y descritos a la perfección. El ritmo del film es tranquilo. Su historia avanza poco a poco, sin prisas pero sin pausas. No hay precipitación válida. No es una película acción. Es una película violenta, sin más; de ráfagas de brutalidad muy esporádicas, aunque totalmente contundentes. Parece Tarantino, pero no lo es. Todo se debe a la fuerza de la letras de George V. Higgins, escritor de Coogans’s Trade y de cuya novela ha echado mano Andrew Dominik, su realizador. Un trabajo explosivo y cargado de mala leche que, en su trama, no renuncia a mostrar paralelismos sobre la estructura empresarial y las acciones de la mafia con el perfil político de la crisis económica actual., Todo un delirio visual y literario del que cabe destacar a un inmutable Brad Pitt en la piel de un frío y metódico asesino a sueldo.

 

2.- Los Idus De Marzo. Un thriller político, muy en la línea de los que se realizaron en los años 70, en el que se reserva un pequeño pero sustancial papel su propio director, George Clooney. El film transcurre a lo largo de una campaña electoral, mostrando los tejemanejes y subterfugios que utilizan los dos oponentes y sus respectivos equipos: un complot político, lleno de traiciones y juegos sucios, equiparable al que llevó a la muerte a Julio César. No cuenta nada nuevo que no sepamos de antemano sobre corrupción política y la falta de escrúpulos de muchos mandatarios. Pero todo cuanto expone lo hace de forma inteligente, sin tapujos, yendo directo al grano, disparando allí donde más duele y aproximándose al mundo de la política como si se tratara de la mismísima mafia. Las ansias de poder de ciertos personajillos son tan grandes que ninguno de ellos duda en darse un gran baño de mierda con tal de lograr su objetivo. El arribismo está servido.

 

1.- La Parte de los Ángeles. Ken Loach se reinventa. Y lo hace sin renunciar a su tónica social habitual, pero añadiéndole un toque de comedia y un punto de optimismo difícil de encontrar en el grueso de su obra. Lo que se inicia como un drama social más dentro de su filmografía, poco a poco cambia de tercio para adentrarse en la comedia; una comedia humanista que desemboca en un film de intriga con gran golpe incluido y en el que juega una baza muy especial el universo del whisky y el arte de su cata. Una película sobre segundas oportunidades; un canto de amor a Escocia, a su whisky, a sus faldas y, ante todo, un tratado de humanismo en tiempos difíciles. Para paladares exquisitos.

 

 

En un próximo post, lo más peor del 2012.

Pena de Navidades...

Con la que nos está cayendo, me sentiría muy cínico felicitándoles las Navidades. La miseria, los recortes laborales y sociales, la corrupción política y empresarial… Que quieren que les diga. .. Que ustedes la pasen lo mejor que puedan y en buena compañía. Y a todos aquellos que nos están amargando estos días, ¡qué les den! O, mejor dicho, que se los folle un pez espada.

De todos modos y para hacer más llevadera la festividad, abajo les dejo colgada una propuesta que está corriendo por la red. Yo, al menos, pienso hacerlo y golpear la cacerola con mucho frenesí. Y es que el Borbón de las narices y su puta familia ya me tienen hasta los güevos.

Los "gordos" de Navidad

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

¿Punto final?

Hasta el bueno de Mariano Ozores se atrevió con una del fin del mundo en 1962.

Apatrullando la ciudad

Hasta ahora, el found fotage (cámara en mano, simulando una filmación real) era un estilo que parecía haberse impuesto, casi en exclusiva, en el cine de terror desde que (la sobrevalorada) El Proyecto de la Bruja de Blair lo pusiera de moda a finales de los años 90. Con Sin Tregua, David Ayer adopta el método para el género policíaco y urde un producto confuso a medio camino entre el reality show (muy en la línea de los programas televisivos made in USA siguiendo los casos de un coche patrulla) y los vídeo-juegos (sus numerosas escenas de acción, en donde una cámara subjetiva muestra las manos y el arma de un personaje avanzando y disparando por laberínticas situaciones).

La historia transcurre en las calles de Los Ángeles y sus protagonistas son una pareja de policías uniformados que, desde su coche patrulla, han de enfrentarse a todo tipo de delitos y, en concreto, a una peligrosísima y feroz banda de hispanoamericanos. La excusa para que su mínimo argumento se acerque a las constantes de un reality show estriba en que uno de ellos (el personaje interpretado por un histriónico Jake Gyllenhaal) pretende hacer un trabajo experimental en el campo de la imagen y el cine. Una excusa muy poco creíble para poner en práctica un estilo al que, a los pocos minutos, su director deja de serle fiel: planos aéreos, secuencias filmadas por cámaras distintas y un sinfín de tomas imposibles se encargan de desligar sus intenciones. En realidad, lo único que hace David Ayer es agitar desesperadamente la cámara y marear a un espectador cansado de tanta falsedad.

Un film vacío, previsible, ultraviolento y sospechosamente racista, en donde, para suavizar un tanto su discurso segregacionista y contando con la presencia de un cargante Michael Peña, hace que uno de los dos patrulleros se trate de un joven de ascendencia mejicana. El facha de Torrente se habría sentido como pez en el agua entre el par de policías protagonistas.

Caca de la vaca. Tiren de la cadena y olviden semejante fantochada. Cuesta pensar que su director sea el mismo de la interesante Dueños de la Calle.